INTRODUCCIÓN * 29 de noviembre de 2008

"en las frías noches de diciembre, si ves lucir la luna blanca,

echa en la cama cobertor y manta" (refrán popular).

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bienvenidas y bienvenidos a la sala de paltalk "punto.es" en el último sábado de este frío noviembre. hoy, de visita al museo del prado, en madrid. una de las pinacotecas más importantes del mundo

la edición de hoy, pero, será algo diferente a lo habitual. nos detenemos, sí, en lecturas y contemplaremos algunas obras en un muy escueto viaje por la pintura de los siglos XVII a XX. por supuesto, el prado es muchísimo más. pero deberemos expresarnos en castellano, frente al micrófono, sin guión previo, sin red. es un modo más de practicar nuestro castellano. disfrutad de la estancia

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joel nakuro

(enlaza con: http://puntoes200.blogspot.com/)

1) el museo del prado. actualidad en el prado

el museo del prado

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El edificio que hoy sirve de sede al Museo Nacional del Prado fue diseñado por el arquitecto Juan de Villanueva en 1785, como Gabinete de Ciencias Naturales, por orden de Carlos III. No obstante, el destino final de esta construcción no estaría claro hasta que su nieto Fernando VII, impulsado por su esposa la reina María Isabel de Braganza, tomó la decisión de destinar este edificio a la creación de un Real Museo de Pinturas y Esculturas. El Real Museo, que pasaría pronto a denominarse Museo Nacional de Pintura y Escultura y posteriormente Museo Nacional del Prado, abrió por primera vez al público en noviembre de 1819. Nació con el doble propósito de mostrar las obras propiedad de la corona y descubrir a Europa la existencia de una escuela española tan digna de mérito como cualquier otra escuela nacional. El primer catálogo, realizado en 1819 y dedicado exclusivamente a la pintura española, constaba de 311 pinturas, aunque, en ese momento, se guardaban ya en el Museo 1.510 obras procedentes de los Reales Sitios pertenecientes también a otras escuelas. La valiosísima Colección Real, germen de los fondos del actual Museo del Prado, comenzó a adquirir pleno desarrollo en el siglo XVI en tiempos del emperador Carlos V y continuó enriqueciéndose con el concurso de los monarcas que le sucedieron, tanto Austrias como Borbones. Gracias a la voluntad y al esfuerzo de todos ellos ingresaron en la Colección Real los mayores tesoros que se pueden contemplar hoy en el Prado como El descendimiento de Weyden, El jardín de las Delicias de El Bosco, El caballero de la mano en el pecho de El Greco, El tránsito de la Virgen de Mantegna, La Sagrada Familia, conocida como “La Perla”, de Rafael, Carlos V en Mülhberg de Tiziano, El lavatorio de Tintoretto, el Autorretrato de Durero, Las Meninas de Velázquez, Las tres Gracias de Rubens o La familia de Carlos IV de Goya.

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La colección está formada por aproximadamente 7.600 pinturas, 1.000 esculturas, 3.000 estampas y 6.400 dibujos, además de un amplio número de objetos de artes decorativas y documentos históricos. En la actualidad, el Museo exhibe en su propia sede unas 1300 obras, mientras que alrededor de 3100 obras (‘Prado disperso’) se encuentran, como depósito temporal en diversos museos e instituciones oficiales, y el resto se conserva en almacenes.

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[muy recomendable por interesante, es la página oficial del museo del prado: http://www.museodelprado.es/pagina-principal/]

2) siglo XIX - sorolla, fortuny. actualidad en el prado

chicos en la playa (1910)

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Tres niños desnudos, tendidos boca abajo se divierten en una playa, disfrutando de los últimos coletazos de las tranquilas olas. Sorolla conjuga en esta pintura dos temas que fueron objeto de su atención en numerosas ocasiones: los niños y la playa. Estas escenas cargadas de luz marcaron definitivamente la estética que hizo tan popular al artista. El color abordado con un exquisito análisis es otra de las características de sus pinturas de exteriores, y en este ejemplo sobresale el pelo rubio del chico en el centro de la composición, cuyo color se confunde con el de la cálida arena. La pincelada larga y jugosa, construye la pintura con tintas de gran expresividad.

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desnudo en la playa de portici (1874)

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El desnudo infantil fue un tema muy recurrente en la etapa final del pintor, y en él demuestra Fortuny su maestría a la hora de captar el desnudo y la incidencia de la luz sobre diversas superficies, como el cuerpo humano o la arena de la playa, sugiriendo el ambiente sosegado y placentero de un cuerpo abandonado al calor y la energía del sol.

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viejo desnudo al sol (1871)

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La representación del torso desnudo de un viejo, fuertemente iluminado por los rayos del sol fue un tema muy trabajado por el pintor, para estudiar la incidencia de la luz sobre fondos oscuros. La obra como es habitual en las pinturas de Fortuny, muestra diferentes grados de acabado en su superficie. La parte inferior, está tan solo esbozada mientras que la cabeza del modelo, en la parte superior, muestra un trabajo más profundo de extraordinaria naturalidad, favorecido por el estudio de la luz que ofrece zonas contrastadas de claros y sombras.

a) vocabulario de colores y tonos

1. Rojo

2. Azul

3. Amarillo

4. Verde

5. Blanco

6. Negro

7. Naranja

8. Violeta

9. Marrón

10. Rosa

11. Gris

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Asocia cada color con uno de los afijos siguientes para formar un tono: -ado, -áceo, -uzco, -ento, -oso, a-...-ado, -izo.

3) XVII-XVIII - zurbarán, murillo, carnicero. actualidad en el prado

defensa de cádiz contra los ingleses (1634)

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Representa a don Fernando Girón, gobernador de Cádiz, dando instrucciones a sus subordinados para organizar la defensa de la ciudad, amenazada por la escuadra inglesa que aparece al fondo. Ese suceso, que tuvo lugar en 1625, fue una de las acciones bélicas elegidas para decorar el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro en Madrid, junto con otras encomendadas a pintores españoles como Velázquez, Maíno, Vicente Carducho o Pereda. Es una obra importante y singular dentro de la carrera de Zurbarán, no sólo porque fue un encargo de la corte, sino también porque se trata de una de las escasas ocasiones en las que se acercó a un tema de la “historia civil”. El artista muestra algunas de las virtudes que le convierten en un punto de referencia de la historia de la pintura española de su tiempo, como su precisión retratística o su capacidad para reproducir de manera exacta y detallada una gran variedad de texturas.

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los niños de la concha (1670)

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El Niño Jesús da de beber con una concha a su primo Juan, identificado por la Cruz y el Cordero. En el cielo, en un rompimiento de Gloria, unos ángeles niños presencian la escena, sacralizando el hecho. En la filacteria la frase “Ecce Agnus Dei”, palabras de San Juan Bautista que aluden a la condición de Cristo como Cordero de Dios. Murillo juega con el encanto de los temas infantiles tan habituales en él, pero al tiempo, introduce una prefiguración del Bautismo de Cristo por parte de Juan a orillas del río Jordán. La composición procede de una estampa del pintor boloñés Guido Reni, a su vez inspirada en Annibale Carracci. Ingresó en las Colecciones Reales a través de la reina Isabel Farnesio, gran coleccionista de la obra de Murillo.

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ascensión de un globo montgolfier en aranjuez (1784)

Carnicero, pintor secundario en el panorama artístico de la España de su tiempo, se convierte aquí en cronista de un hecho singular e histórico: la ascensión, que al parecer terminó de forma accidentada, de un globo Montgolfier por el francés Bouclé el 5 de junio de 1784 en los jardines de Aranjuez, en presencia de la familia Real, de la corte y del pueblo, vestido con los trajes característicos de majos y majas. La obra fue encargo de los duques de Osuna, de donde procede el lienzo. Otros autores relacionan el suceso con la ascensión de otro globo de estas características, por el marqués d'Arle y Pilastre de Rozier, el 23 de noviembre de 1783 en El Escorial.

b) opiniones sobre el arte

¿Con qué opinion estás de acuerdo? Desarróllala (no importa la opinión en sí, lo que importa aquí, es poder EXPRESARSE):

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EL ARTE MODERNO NO VALE PARA NADA

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Un cuadro abstracto lo puede pintar cualquiera

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El arte no es una actividad más para el tiempo libre. Es esencial para la vida

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El arte debe romper todas las convenciones para ser auténtico

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El objetivo final del arte es mostrar el alma del artista

angelitos negros

angelitos negros

(canta Diego el Cigala)

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Pintor nacido en mi tierra

con el pincel extranjero,

pintor que sigues el rumbo

de tantos pintores viejos.

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Aunque la virgen sea blanca

píntale angelitos negros,

que también se van al cielo,

todos los negritos buenos.

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Pintor, si pintas con amor

por que desprecias su color,

si sabes que en el cielo

también, ¡ay!, también los quiere Dios.

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Pintor de santos y alcobas

si tienes algo en el cuerpo,

por qué al pintar tantos cuadros

te olvidaste de los negros.

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Siempre que pintas iglesias

pintas angelitos bellos,

pero nunca te acordaste

de pintar un angel negro.

4) siglo XVIII - goya. actualidad en el prado

la maja desnuda (1795)

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Imagen de Venus desnuda, tendida sobre un diván de terciopelo verde con almohadas y colcha. La leyenda ha querido ver en la modelo a la duquesa de Alba, aunque también ha sido identificada con Pepita Tudó, amante de Godoy desde 1797. En 1800 aparece citada por primera vez en el palacio de Manuel Godoy sin su pareja, La maja vestida, como sobrepuerta. En 1808 aparece mencionada por segunda vez junto a La maja vestida, en el inventario realizado por Frédéric Quilliet, agente de José Bonaparte, de los bienes de Manuel Godoy, quien quizás las encargó. Y en 1813 se describe a las damas como Gitanas en el inventario de incautación de bienes de Godoy por el rey Fernando VII. Esta obra ingresó en el Museo del Prado en 1901, procedente de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde había permanecido a lo largo de dos periodos: entre 1808-1813 y de 1836 a 1901, habiendo sido secuestrada por la Inquisición en el intervalo.

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los fusilamientos del 3 de mayo (1814)
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Los cuadros de Goya sobre el Dos y el Tres de Mayo de 1808, Los fusilamientos del Tres de mayo en la montaña del Príncipe Pío y El Dos de mayo o la carga de los mamelucos, que se encuentran en el Museo del Prado en Madrid, fue la manera del pintor de rendir homenaje a estas fechas, emblema del coraje de los madrileños. El ciudadano común, hombres y mujeres, salieron a enfrentar al poderoso ejército de los franceses, en busca de su libertad. Si la historia tiene ejemplos del valor de un pueblo, es éste, y para todos aquellos, los oprimidos, debe servirnos de lección de grandeza a seguir.

Hoy, 3 de mayo se cumplen doscientos años de los fusilamientos de los patriotas de Madrid, como represalia al levantamiento del 2 de mayo, el día anterior, contra los mamelucos, soldados otomanos del ejército de Napoleón, que determinaría el comienzo de la Guerra de Independencia.

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[Martha Colmenares, http://www.marthacolmenares.com/2008/05/03/los-cuadros-de-goya-en-homenaje-al-coraje-del-pueblo-madrileno-el-2-y-3-de-mayo-de-1808-video/]

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la gallina ciega (1788-1789)

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Un grupo de jóvenes se divierte en el campo. En el alegre corro predominan los personajes vestidos de majos y majas, atuendo popular que se puso de moda también entre la aristocracia, aunque dos figuras visten las elegantes casacas de terciopelo y el sombrero de plumas, a la moda francesa. Originalmente titulado el “juego del cucharón”, por la cuchara de madera que utiliza el joven de los ojos vendados para alcanzar a su "víctima", más tarde recibió la denominación más moderna del mismo juego: "la gallina ciega". Este entretenimiento, habitual en el siglo XVIII, será muy utilizado como argumento en la pintura del Rococó, acostumbrada a los temas galantes. Goya realizó varios cambios respecto a la idea original para esta obra. Por ejemplo eliminó una joven que aparecía tras la dama del centro al fondo de la composición. Sin embargo todavía se aprecia ligeramente su cabeza de vivos ojos, según está pintada en el boceto preparatorio que también se conserva. El cuadro es el cartón para uno de los tapices del dormitorio de las Infantas en El Pardo.

5) siglo XVII - velázquez. actualidad en el prado

velázquez

Velázquez es reconocido universalmente como uno de los artistas más grandes del mundo. El maestro del estilo naturalista nació en Sevilla en 1599 y murió en Madrid en 1660. Con la diversidad brillante de pinceladas y de armonías sutiles del color, él alcanzó los efectos de la forma y de la textura, del espacio, de la luz, y de la atmósfera, que le hacen el principal precursor del impresionismo francés del siglo XIX.

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Se formó como pintor en España y en dos viajes a Italia. Desde bastante joven fue pintor de la corte en Madrid: primero de Felipe III y luego de Felipe IV, bajo cuyo reinado pintó algunas de sus obras más conocidas. En la vida de Velázquez la intervención de los reyes españoles en Europa hizo que conociera largos años de guerra. Una de sus pinturas más logradas, la Rendición de Breda (más conocido como Las Lanzas), es conmemorativo de una victoria de los tercios españoles en Holanda en 1625. Holanda se independizaría de España sólo quince años después. Es irónico que cuando los ejércitos reales se retiraban, los de ficción avanzaban. El cuadro es un prodigio de la composición y del efecto de profundidad.

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Aunque en el siglo XVII el estilo imperante era el barroco de tema religioso, la obra sacra de Velázquez es reducida. Más apreciados son sus retratos, que pintaba por encargo a personajes ilustres y adinerados de la época, papas, reyes, y también los enanos de la corte. En los retratos de enanos Velázquez muestra su gran maestría en el tratamiento de la expresión de la cara y el cuerpo humano. Se refleja en ellos el afecto que recibían los enanos en la corte, cuyo trabajo era entretener a los poderosos.

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Uno de estos personajes también aparece en el cuadro considerado como la gran obra maestra de Velázquez, Las Meninas. Es una imagen de una sala de palacio en la que se encuentran las infantas (las hijas del rey) posando para un cuadro que pinta el propio Velázquez. Las infantas están acompañadas de una enana que mira con dignidad y varios perros. Al fondo de la sala se ve un espejo en el que se reflejan los reyes. Con esta inteligente composición logró el pintor captar un momento de la vida de palacio de una forma que sigue captando hoy nuestra atención, como si se tratara de una fotografía instantánea y no un cuadro al uso de la familia real. La técnica es impecable, captura la atmósfera luminosa de un día de sol. Se dice que en este cuadro Velázquez consiguió pintar el aire.

6, c) las meninas, ¿qué meninas?. actualidad en la red

Retrato de la infanta Margarita, hija de Felipe IV (1605-1665), rodeada de su servicio o “familia” en una sala del Alcázar de Madrid. El cuadro más famoso de Velázquez encierra una compleja composición construida a partir de una admirable habilidad para el uso de la perspectiva, de la plasmación de la luz y de la representación de la atmósfera. Las interpretaciones sobre el tema y la plasmación del mismo han sido múltiples. Las más numerosas subrayan la reivindicación de la nobleza de la pintura frente a las prácticas artesanales. Velázquez se autorretrata pintando el propio cuadro a la izquierda del lienzo, afirmando así la supremacía del arte de la pintura. La infanta Margarita (1651-1673), vestida de blanco, aparece rodeada en el centro de la composición por sus damas de compañía, las “meninas” María Agustina de Sarmiento e Isabel de Velasco, dos bufones de la corte, María Bárbola y Nicolasito Pertusato, y un perro mastín. Detrás de ella, aparecen conversando un guardadamas, la dueña Marcela de Ulloa, y, en la puerta, al aposentador José Nieto. Los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria (1634-1696), se reflejan en el espejo del fondo, dando lugar a un juego espacial de extraordinaria complejidad.

las meninas, velázquez (1656)

las meninas, picasso (1957)

las meninas, joel peter witkin (1987)

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[Las meninas, de Picasso, puede contemplarse en el Museu Picasso de Barcelona. Para más información: http://www.museupicasso.bcn.cat/. La composición fotográfica de Joel Peter Witkin, fue un encargo del Ministerio de Cultura español con motivo de la exposición antológica dedicada a Witkin en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (1988) y posteriormente trasladada al Palau Solleric de Palma (1989). Witkin realiza un homenaje a la tradición pictórica española, la fotografía incluye referencias a otras obras de Velázquez, Miró y Picasso].